CORREDORA

 

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Tocando temas duros e incómodos, esta película es consciente de ello y de que tiene algo que contar y lanzar un mensaje y en ese sentido cumple con creces su propósito. Laura García Alonso, joven directora catalana, ha debutado con muy buen tino con este filme que desde el cine deportivo se adentra en drama psicológico en una inmersión muy certera y sincera sobre la salud mental de los deportistas de élite y la fragilidad de estos. La protagonista, Cristina (una excelente Alba Sáez), una chica de 20 años atleta velocista de brillante trayectoria y prometedor futuro llega al brote psicótico a causa de su autoexigencia y de su meticulosidad, hecho que parece en principio cambiar la percepción de si misma y de su carrera deportiva, pero en su propia cabeza las cosas no funcionan de manera tan sencilla y sus propios fantasmas amenazarán con volver a aparecer. Una personalidad muy compleja la de la protagonista, marcada por su deseo de ser siempre la mejor, la difícil relación por diversos motivos con su familia, y posiblemente algún oscuro aspecto que no el espectador no logra saber del todo pero que puede intuirse.

En su vertiente de drama sin concesiones, es muy interesante como se plantea la relación de Cristina con su familia: aunque tanto su padre viudo y casado en segundas nupcias (Alex Brendemühl) como su hermana (Marina Salas) tratan de ayudarla, siempre hay algún impedimento y elemento discordante, causado por Cristina generalmente, que hace que la tarea no sea fácil, con una sensación de impotencia muy bien captada en el filme. El mito de la autosuperación en el deporte aparece en esta historia en su lado más cruel en un filme que casi se acerca al terror psicológico y que diferentes escenas aparentemente catárquicas atenúan en un buen ejercicio narrativo. Muy recomendable para el público joven, de nuevo nos encontramos con un debut honesto y prometedor.

UN MUNDO FRÁGIL Y MARAVILLOSO (NUJUM ALÁMAL W AL’AMAL)

 

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Una muestra de cine hecho en países árabes, concretamente en Líbano, zona en donde con voluntad y talento se esta desarrollando cierta industria cinematográfica que ya ha dado algún título memorable en el los últimos años (Cafarnaum, 2019) y que con este estupendo nuevo filme esta reclamando un sitio en el panorama internacional: un drama con una curiosa historia de amor como telón de fondo, historia esta que transcurre en un largo periodo temporal y que está condicionada por la realidad de Líbano y sus circunstancias bélicas, económicas y sociales, siempre con un tono lírico y simbolista de corte intimista que hace del relato una crónica universal fuera de cualquier coordenado espaciotemporal. Premiada en Venecia con el Premio del público, esta película logra ser un trabajo sólido y muy agradable de ver dirigido con tino por el debutante en el largo Cyril Aris, un cineasta que apunta muchas maneras.

Nino (Hassan Akil) y Yasmina (Mounia Aki) son la pareja protagonista, dos jóvenes representantes del nuevo Líbano, ella una ejecutiva brillante pero al mismo tiempo una mujer sensible y decidida que trata de ascender en un país que también trata de buscar su desarrollo en un contexto hostil, y él un pequeño empresario hostelero que busca salir de la semipobreza pero también un ser ansioso de encontrar la felicidad en algo más que al rutina diaria. Ambos están marcados por sucesos traumáticos de su infancia de alguna manera relacionados con el sino histórico del Líbano y aunque se conocieron de pequeños en su edad escolar y llegaron a compartir curiosos secretos, perideron después el contacto y un hecho fortuito y absurdo provocará su reencuentro y las esperanzas de una vida en común. Con una combinación de momentos delicados, costumbrismo, imágenes poéticas y melodrama, la película logra en todo momento mantener con interés al espectador y hacerle partícipe de una historia que por momentos no parece ser tan feliz como sus protagonistas esperaban, pero que siempre resulta grata. La universalidad del mensaje logra hacer un filme que borra cualquier barrera cultural- aunque las circunstancias actuales de Líbano la han convertido en una sociedad muy occidentalizada, para bien y para mal- y que se alza como un trabajo sugerente y muy recomendable.

LA ISLA DE AMRUM (AMRUM)

 

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Esta sugerente y en muchos momentos fascinante producción germana muestra como el poder de las imágenes puede contar una historia, aunque esta se trate de una crónica de sentimientos y emociones y la percepción de la vida a los ojos de un niño de 12 años. Con un trasfondo histórico tan significativo como es el del fin de la II Guerra Mundial en el contexto espacial del país provocador de le guerra y perdedor de la contienda; Alemania, la historia a priori podía dar mucho de si y efectivamente así ha sido. Basada en la infancia del guionista, cineasta, dramaturgo y actor Hark Bohn, quien falleció a finales de 2025 y al que va dedicado el filme, Amrum es una película que combinando el costumbrismo, la poesía visual, la crónica sociohistórica, el intimismo, el naturalismo y el melodrama consigue ser un trabajo cinematográfico de muchos kilates. Fatih Akin, director alemán de origen turco dirige la película con clase apoyado en una suntuosa fotografía, una puesta en escena calculada y muy meticulosa y un guion honesto y que dice mucho con una historia clara y mínima.

La isla de Amrum, el el archipiélago de las islas de Frisias Orientales, al norte de Alemania, es un escenario gélido, aislado e indómito además de rural, salvaje, primigenio e inocente, un lugar proclive para una historia en donde las fuerzas de la naturaleza campan a sus anchas influyendo a todos los personajes sobre todo en una situación de total cambio e incertidumbre. El pequeño Nanning (Jasper Billerberck, muy meritorio su trabajo) que en 1945 vive los últimos dias de la guerra en la pequeña granja de su madre y su tía junto a sus hermanos menores con un padre ausente que se encuentra en el frente, se encuentra de golpe y porrazo con una situación cambiante en donde conseguir alimentos básicos es una odisea, lel dinero en marcos ya no vale, el hambre y al pobreza acechan a su familia, llegan refugiados polacos a la isla, y muchos vecinos y conocidos, simpatizantes de los nazis, ven cambiar su estatus y su situación de la noche a la mañana: algo incomprensible para un miembro de las Juventudes Hitlerianas como él quien confiaba que su fe en el régimen Nacionalsocialista le iba a ayudar a ser alguien fuerte y poderoso. Nanning no obstante intentará luchar por su familia aunque tenga que rebasar los límites naturales de su isla, un entorno tan aislado del resto del país que hace todo aún más extraño e incompresible para él.

Con abundancia de imágenes de la naturaleza- incluyendo varias escenas con animales- y silencios muy sugerentes, Amrum consigue ser una película muy emotiva sin necesidad de artificiosidad sentimental y una muy convincente crónica sobre la pérdida de la inocencia, todo ello con estilo documentalista, naturalista y antropológico. Muy recomendable sobre todo para espectadores exigentes y degustadores de cine europeo de calidad. 

YO NO MORIRÉ DE AMOR

 

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Una nueva muestra de honestidad cinematográfica y de buen hacer en todos los sentidos, desde la directora debutante, Marta Matute, hasta un reparto que echa el resto y está totalmente metido hasta el fondo y comprometido con trasmitir la gravedad del tema que el filme trata: el drama de convivir con alguien querido - un familiar- con alzhéimer y como esto afecta a todo. Basándose en la propia experiencia de la directora con su medre, el personaje central es Claudia, la menor de las dos hijas, que desde los 18 años a los 23 esta joven, individualista, poco apegada a la vida familiar y un tanto egoísta, va experimentando un cambio en su comportamiento, en su autopercepción y en la visión de todo lo que le rodea, siendo cada vez más consciente del problema de su madre, de su familia y de ella misma. Júlia Mascort hace una desgarrada e intensa interpretación como Claudia, una chica que al principio no se hace querer por el espectador pero que poco o poco mostrará una evolución a la medida de que no solo la enfermedad de su madre se agrava, sino que ella misma a fuerza de sinsabores, compromisos y obligaciones que tiene que adquirir anteponiéndolos a su propios intereses, se convertirá en una persona más madura, siempre con el drama de la nueva convivencia familiar de fondo y el hecho de que als relaciones familiares van cambiando también. Un psicodrama naturalista y verista muy bien ensamblado que anuncia una gran directora y que dentro de su crudeza y dramatismo resulta convincente, poderoso y desgarrador. Como buen filme realista, se juega con la anécdota, las notas al pie de página, las pinceladas cotidianas y personajes secundarios fugaces pero significativos de una manera muy convincente. Su estructura narrativa con varios saltos en el tiempo elípticos que hace dividir el filme en varios actos o segmentos durante los cinco años y medio en los que transcurre la historia es un recurso muy oportuno que otorga ciertos silencios que mostrados de una forma más continuo o explícita hubieran resultado tediosos.

No solo Julia Máscot está de diez, Sonia Almarcha, que da vida a la madre, esta impresionante como una mujer aquejada por al enfermedad con momentos y escenas impresionantes, Laura Weissmahr como la hermana mayor treintañera y más responsable logra un contrapunto perfecto con Máscot y Tomás del Estal como el padre superado totalmente también resulta conmovedor e intenso. Una película sincera, directa y sin cortapisas que muestra que el cine español sigue generando más que prometedores nuevos directores (y directoras) y operas primas que resultan grandes películas.

EL SONIDO DE LA CAÍDA (IN DIE SONNE SCHAUEN)

 

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No resulta excesivamente fácil el visionado de este drama alemán, no ya solo por lo abultado de su metraje, sino por lo muchas veces confuso de su argumento y lo poco explicativas que son algunas situaciones presentadas, aunque su mensaje parece claro: el pasado muchas veces se impregna y afecta a las generaciones sucesivas que van habitando en un mismo espacio físico. Con pinceladas de realismo mágico, formas y fondos bergmanianos y un impacto visual absorbente e hipnótico con ciertas reminiscencias a David Lynch, esta película tal vez precise de una segunda visión para poder captar en plenitud todas sus virtudes, que son muchas, pero que a primera instancia resulta un trabajo un tanto frío pero sin embargo cautivador. El premio del Jurado en el festival de Cannes de 2025 avalan a esta película dirigida con clase y ambición por Marsha Schilinski.

Son cuatro historias las que se nos cuentan- de manera no lineal- en esta cinta, todas con la mirada infantil y adolescente como nexo de unión y el trasfondo de la historia (o mejor dicho, la intrahistoria) de Alemania en el siglo XX y siempre con una vieja casa rural en un paraje campestre en la frontera entre las antiguas RDA y RFA como escenario. Allí, en los comienzos de la Gran Guerra, la pequeña Alma, la menor de varias hermanas y un hermano con una familia marcada por la pobreza, la superstición y obsesionada con evitar que el único hermano varón vaya a la guerra, descubre la relación entre la vida y la muerte llegándose a obsesionar con dicho tema. La historia del tullido Fritz, el hermano de Alma, sigue en la época de la II Guerra Mundial con su sobrina Erika y el descubrimiento de su incipiente sexualidad, mientras que en los años 80 Angelika, sobrina de Erika, también descubre su madurez en un entorno extraño y viciado del cual desea salir para buscar su libertad, hasta llegar a los 2020 en los que la adolescente Lenka y su familia, son los ocupantes de la ya destartalada casa campestre de la familia anterior, la cual pretenden arreglar aunque parece que el edificio de alguna manera esta influyendo en la sensible muchacha.

Los recuerdos, los fantasmas del pasado y todos los momentos que reviven- en esta historia casi todos desagradables- es algo de lo que se ocupa este filme de una manera un tanto gélida y con una estilización un tanto onírica e inquietante que puede que no sea del gusto de todo el público. Casi utilizando recursos de cine de terror (atmósfera perturbadora, juegos de efectos de sonido) la película sin embargo sabe moderar el drama y atesora varios momentos muy valiosos mientras que en otros se hace tediosa y, por que no, algo pretenciosa. No obstante, resulta un filme interesante y original cuya premisa por increíble que parezca muchas veces es cierta.

MICHAEL

 

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Era evidente que algún día tenía que hacerse y se hizo: la biografía cinematográfica de Michael Jackson. El denominado Rey del Pop (1958-2009) fue un figura clave en la historia de la música popular y su repercusión también desde el plano sociológico, cultural y dentro de la industria del entretenimiento mundial fue enorme, pero también es cierto que su peculiar personalidad y sus extravagancias -muy acentuadas desde mediados de los 80 una vez alcanzó el cenit de su fama- le convirtieron en un personaje muy polémico, algo que se acentúo desde la década de los 90 con las acusaciones vertidas hacia su persona. Una biografía audiovisual con pretensiones de definitiva sobre Michael Jackson- tal y como se presenta este esforzado y muy interesante filme que pese a todo no convencerá a todo el mundo- estaba claro que iba a pasar por alto los aspectos mas oscuros sobre el personaje y así ha sido, gracias al hecho de que este biopic llega solamente hasta 1988, pero no sería justo desdeñar por ello el hecho de que este filme consigue lo que se propone: ser un homenaje a Michael Jackson, a su música y a su legado captando claves de su extraña y compleja personalidad, sus tormentosas relaciones familiares -familia y trabajo-negocio fueron lo mismo para los Jackson- y su manera de vivir el éxito. Dirigida de manera efectiva por un fan confeso como Antoine Fuqua, muchas veces parece que la abundancia de canciones y recreaciones de actuaciones resten ritmo al filme, pero los momentos narrativos propiamente dichos están muy buen dispuestos pese a que la acción cronológicamente avanza demasiado rápido. Eso si, se echan en falta momentos ilustrativos de la historia de Michael y de la familia Jackson y la ausencia de tres de sus ocho hermanos - totalmente ignorados en el guion- así como un enfoque más crítico que al parecer llegó a plantearse en este filme, aun así el resultado es satisfactorio aunque, claro está, los fans de Jackson disfrutarán los que más con esta película.

El hecho de que varios de los Jackson estén involucrados en este proyecto -como ya lo estuvieron es una miniserie biográfica sobre la familia en los años 90- añade al resultado una cierta honestidad que tampoco debería ignorarse, pero si de colaboración familiar hablamos la más notable en este filme este filme es indudablemente la de su actor protagonista, sobrino del propio Jackson, Jaffar Jackson: el hijo de Jermaine se sumerge en la personalidad de su tio, en su voz (recomendable ver en VO para apreciar como Jaffar imita a la perfección el peculiar timbre de Michael), sus gestos, su forma de bailar, e incluso los diferentes aspectos de una personalidad perfeccionista, inmadura, excéntrica y hasta cierto punto imprevisible. Y por si fuera poco en casi toda la película está prácticamente clavado. También es digna de mención la interpretación del pequeño Juliano Krue Valdi como Michael niño y el excelente papel de Colman Domingo como el patriarca y primer manager de Jackson 5 Joseph Jackson, mostrando la personalidad egocéntrica, ambiciosa y déspota con la que este hombre pasó a la historia: su relación con sus hijos y sobre todo con el benjamín Michael aparece muy bien reflejada en esta película explicando muchos porque de las peculiaridades del cantante. Nia Long como la madre Katherine Jackson también aporta lo suyo pero su personaje podría tener más peso específico en esta película, como también el resto de hermanos de Jackson.

Muy buenas recreaciones de las diferentes épocas- años 60, 70,80- y de diferentes actuaciones, videoclips y conciertos ( en especial los de 1984 y 1988) para un bonito y vistoso espectáculo cinematográfico y musical que puede que no lo cuente todo pro que termina siendo una película atractiva y vitalizante.

INCONTROLABLE (I SWEAR)

 

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La historial real que se narra en este filme británico resulta tan cautivadora como sorprendente para muchos por lo relativamente poco conocido de su temática. Se nos cuenta la historia real de John Davidson (1971) un británico que se convirtió en celebridad por su activismo para visibilizar el síndrome de Tourette, una rara enfermedad neurológica que provoca severos tics y movimientos compulsivos y tics verbales y vocales que incluyen tacos e insultos involuntarios, mal que él mismo padeció y que lógicamente condicionó su adolescencia y juventud. Su historia de superación es bastante conocida en el Reino Unido - como él, que ya a los 17 años fue objeto del documental John´s Not Mad (1989)- y esta película, honesta y excelentemente narrada- le hace justicia. Con retazos de cine social british - incluyendo pequeña sombra de Ken Loach- y un optimista planteamiento que juega con la Feel Good movie, el melodrama y la comedia (en este caso involuntaria y servida por las consecuencias del síndrome que parece el protagonista), I Swear es una película amable, didáctica, emotiva y hecha con buen cine, muy bien dirigida por Kirk Jones y excelentemente interpretada por Robert Aramayo -premiado con el BAFTA a mejor actor 2026- un formidable actor llamado a darnos en el futuro muy buenos momentos interpretativos que se preparó el papel conviviendo con el auténtico Davidson durante unos meses: su interpretación es memorable y elaboradísima tratando de reflejar con total fidelidad los síntomas del Tourette hasta el punto de que realmente se piense que estamos ante una persona con dicha enfermedad. Por supuesto, también resulta excepcional el trabajo del actor que interpreta a John en su adolescencia, Scott Ellis Watson, una revelación.

La historia de este joven escocés, pese a que posee algunos momentos no muy agradables principalmente por sus problemas familiares- su familia se rompió a consecuencia de su enfermedad- por su sensación de desdicha una vez aparecieron los primeros síntomas a los 13 años y por cuando ya veinteañero le costó encontrar un hueco en la sociedad y conseguir un trabajo, resulta como hemos dicho muy reconfortante y esperanzadora conforme las situaciones se suceden y cambian y el propio John evoluciona y asume que su mal no puede suponerle ninguna barrera y puede conseguir lo que quiere pese a que siempre sus movimientos compulsivos, sus repentinos gritos, insultos y tacos en el momento más inoportuno o su tendencia a escupir al comer a primera vista resultan para todos algo improcedente y desagradable. La aparición en la vida de John Davidson de los Achenbach, la familia de su amigo Murray, será clave para su situación y su felicidad, encontrando en ellos una verdadera familia y en la matriarca, Dottie (una genial Maxine Peake) una verdadera madre. Momentos emotivos e intimistas conviven con pasajes más o menos graciosos (y entrañables) que hacen del visionado del filme una delicia. No debe pasar desapercibida esta película por la cartelera.

CALLE MÁLAGA

 

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Carmen Maura es esta película. Si que es cierto que este filme, una coproducción entre Marruecos, España, Francia, Alemania y Bélgica rodada en Tánger en español, parte de la historia familiar de la directora, la marroquí Maryam Touzani (El caftán azul, 2022), cuya abuela española llegó al protectorado español de Tánger al igual que muchos otros íberos en el siglo XX. pero María Ángeles, la protagonista, encarna en realidad a otra generación de españoles y españolas que nació allí y que sienten que en ese lugar están sus raíces en un entorno en donde la cultura magrebí y la europea conviven. Y desde luego que Maura a sus 80 años está soberbia en esta cinta, mostrando que aquel carisma que conquistó al público en la década de los 80 no se ha perdido un ápice porque esta actriz es sencillamente una intérprete irrepetible, con personalidad y con un encanto que ahora en la tercera edad se resiste a abandonarla. En este drama con ribetes de comedia, curioso en su emotividad y su costumbrismo- esto ultimo le conecta con muchos trabajos que la actriz ha realizado en el pasado- Carmen Maura nada como pez en el agua en un relato en realidad universal que nos habla del envejecimiento, de los conflictos generacionales, de la nostalgia, del sentimiento de pertenencia, del amor a edades avanzadas y de la lucha por las cosas que se aman, todo contado de manera tierna y sencilla pero al final con grndes resultados.

Marta Etura, otro de los pocos rostros españoles dentro de un reparto mayormente marroquí, da vida a Clara, la hija de María Ángeles, que residente en Madrid y recien divorciada visita a su madre viuda y le comunica que quiere vender el piso de Tánger en la calle Málaga para paliar su apurada situación actual, algo a lo que la mujer al principio se opone con rotundidad aunque posteriormente parece ceder, pero eso será un estratagema ya que María Ángeles no esta dispuesta a perder el hogar donde nació y todos sus recuerdos. Una lucha incansable la de esta mujer que le llevará a ingeniosos planes en los que hallará la complicidad de sus vecinos de la calle y también inesperadamente de Abslam (Ahmed Boulane), un anticuario que dará un nuevo sentido a su vida. Entre el melodrama y la feel good movie, Calle Málaga consigue ser una película muy sólida y agradable, y gran parte de culpa la tiene la actuación de Carmen Maura. Porque -como ella decía hace más de cuatro décadas- Carmen, tú vales mucho.

PROYECTO SALVACIÓN (PROJECT HAIL MARY)

 

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Desde hace tiempo la ciencia ficción cinematográfica ya no tiene el encanto que tuvo, pongamos, hasta finales de los 90. Sobra decir que con la proliferación y perfeccionamiento de los efectos especiales (ya con el uso de la tecnología electrónica) ya poco o nada nos sorprende en cuento a imágenes, construcción de escenas, escenarios y todo tipo de efectos. Esto es lo que ocurre con esta space opera basada en una novela de Andy Weir, un filme de anticipación catastrófica con amenaza a la tierra y su posterior salvación, tal y como indica el título en castellano, cuya larga duración (156 minutos) juega en su contra, teniendo además un estilo narrativo reiterativo y poco sorprendente para un filme de este tipo. Un profesor de ciencias de secundaria, Ryland Grace (Ryan Gosling), se despierta en una nave tras un periodo de hibernación de once años sin recordar nada, pero pronto será consciente de la misión que le encomendaron una década atrás: usar sus conocimientos para evitar la extinción del sol debido a una misteriosa sustancia interplanetaria que se detectó. Una vez más la manida premisa de “salvara la tierra” aunque como novedad aquí por lo menos no hay escenas grandilocuentes o momentos de épica barata y si un cierto componente de comedia-drama que atraviesa toda la historia -con un Gosling omnipresente y también en los flashbacks en la tierra con otros actores- pero también una dificultad más que evidente para mantener el interés de la historia que en no pocas ocasiones se hace poco atrayente.

Los primeros compases del filme comienzan bien y prometen una historia intimista y potente con un protagonista con todas las características de admirable antihéroe, pero la aparición de el coprotagonista del filme, un aliénigena inteligente con aspecto de araña pétrea que también busca la salvación de su planeta a bordo de su nave, convierta a la historia en una insulsa buddy movie con dudoso pulso comediático. No obstante sería injusto no tener en cuenta lo bien que están conseguidos los escenarios de las naves y lo más que correcto que funcionan las escenas de los flashbacks donde descubrimos todas las circunstancias que llevaron a Grace a su misión, así como la utilización de una sorprendente banda sonora donde nos podemos encontrar desde Miriam Makeba a Violeta Parra cantada por Mercedes Sosa o Neil Diamond. La ciencia ficción en el cine tal vez debe replantearse porque lo cierto es que ya parece que hay poco que contar o mejor dicho, se quiere contar casi siempre los mismo